Por Nicolás Carvajal
La compañía hispano-chilena La Llave Maestra presenta El carnaval de los animales, una obra de teatro visual y de objetos inspirada en la célebre suite musical de Camille Saint-Saëns.
El Carnaval de los Animales, la famosa suite musical creada por el compositor francés Camille Saint Säens, cobra vida en manos de La Llave Maestra con un sorprendente concierto visual que fusiona música clásica con teatro de objetos, animación, danza, máscaras, teatro físico y teatro de sombras. Elefantes, tortugas, cisnes, ballenas, medusas, jirafas, libélulas, mantarrayas y las más insólitas criaturas del reino animal, se toman el escenario en un estimulante viaje que transporta al espectador hacia el corazón del mundo animal, y que activa su imaginación creando impactantes ilusiones ópticas a partir de objetos y formas.
En conversación con Culturizarte, su directora Edurne Rankin profundiza en el proceso de alquimia visual, la conciencia ecológica y la universalidad de su lenguaje escénico.
La compañía La Llave Maestra tiene una identidad visual bien inconfundible, bien propia y en El carnaval de los animales, ¿cómo logran que estos objetos cotidianos como las telas o cartones dejen de ser estos objetos que uno podría casi calificar de desechables y se conviertan en una forma de poesía visual? ¿Cómo es ese proceso de alquimia al final para darles vida?
Como bien has dicho, forman parte de nuestro lenguaje ya, no están solo en el carnaval, sino que están en todas y cada una de las obras, eso forma parte de nuestra investigación y nuestra búsqueda y de nuestro lenguaje a lo largo de estos 16 años que tiene la compañía. Y esa fue una de las grandes búsquedas, como tú dices, que se produce una alquimia que a mí me encanta ese nombre que le has dado porque creo que es muy acertado. Eso se basa en un profundo trabajo e investigación con los objetos, las materias, con el cuerpo en conjunción con los objetos, con el espacio, la luz, con la música.
¿Cómo se hace? Nosotros lo que hacemos ya es básicamente cuando jugamos con los objetos dejamos de darle el significado que tiene nuestro cotidiano. Una silla deja de ser una silla y la observamos, la observamos y la observamos hasta que empieza un extrañamiento y dejamos de ver esa silla y empiezan a emerger otras lecturas de ese objeto, otras utilidades. Empezamos a jugar con ello, a ver hasta dónde da eso de sí y qué podemos lograr con ello. Y ahí es donde los propios objetos tienen su vida y nos hablan, nos dicen, nos cuentan: “Yo tengo esto, yo traigo todo esto”. Cuando nosotros vemos algo así lo captamos y empezamos a tirar de ese hilo, a trabajarlo más, a pulirlo hasta que al final llega un plástico, llega a ser un mar, un tutú, llega a ser un avestruz. Todos estos juegos que tiene La Llave Maestra que al final forman parte del lenguaje. Para nosotros es muy importante porque no sólo es el lenguaje sino que también forma parte de nuestra filosofía como compañía y es que no necesitamos grandes cosas para poder crear, sino que la imaginación humana es una de las cosas más potentes que tenemos y gracias a ella podemos trabajar con los objetos cotidianos que nos podemos encontrar alrededor y crear y generar un cambio en nuestro propio entorno, eso es algo muy importante para nosotros de transmitir.
El carnaval de los animales viene del clásico de Saint-Saëns, ¿cómo fue el desafío para no solamente convertir los objetos en un universo pero también cómo dibujar la música en este caso, con animales, ¿qué viene primero, es escuchar la melodía y de ahí viene la idea o está la forma y encuentra su melodía?
En este caso fue diferente. Piensa que nosotros también trabajamos siempre en La Llave Maestra con un compositor que compone cada pieza para las obras, entonces para nosotros ya la música es un elemento muy importante, es un actor más, no es algo accesorio sino que es algo importante que narra, que cuenta, que tiene contenido y que nos ayuda a transmitir. En este caso fue un viaje a la inversa porque la música no se fue creando porque íbamos creando las escenas, sino que la música como bien dices, está creada desde el compositor Camille Saint-Saëns. Cuando este proyecto se gestó junto a la Orquesta de Cámara de Valdivia, dijimos: “hagamos algo en conjunto» y al final decidimos que iba a ser el carnaval. Tenemos la suerte de que son unos tremendos músicos y que la música está grabada por ellos y por Loreta Nash, que es la tremenda ingeniero musical.
Empezamos a escuchar la música y de ahí, El carnaval de los animales cada pieza está dedicada a un animal. Entonces primero empezamos a escuchar eso, empezamos a entrar un poco en el universo de cómo Camille Saint-Saëns veía, percibía a cada animal: en el león, en los elefantes, las tortugas, en el aviario. Ahí empezamos nosotros, de eso que tenía Camille Saint-Saëns ya, qué nos decía, qué era para nosotros y cómo poder llevarlo a la escena en nuestro lenguaje. Después de eso también hubo ese periodo de decir “vamos a crear el aviario, las tortugas”, hubo otras piezas que dijimos “¿qué pasa si abren estas piezas?”. No nos ceñimos sólo al animal que nos propone Camille Saint-Saëns, sino nos ceñimos a un universo que a nosotros nos evoque a algo que nosotros queramos contar. A este universo nosotros le sumamos dos piezas más que son una del mismo Camille Saint-Saëns, que es Danza macabra, y la otra es Claro de luna de Debussy que es un contemporáneo también más o menos de esa época, que se eligió precisamente por eso para que tuviese una coherencia con las piezas, pero vino un poco así el trabajo. Este trabajo para nosotros fue un desafío porque la música ya estaba creada entonces nosotros nos tuvimos que empapar de ella, meternos un poco en ella y ver a nosotros que nos llegaba de eso para poder sacarla puesta en escena.
Dentro de las escenas creadas para los animales hay una que me quedó en mente, la del oso polar donde se ve como los hielos se están achicando alrededor de él. ¿Ustedes incorporan mensajes como una cierta doble lectura para adultos, que quizás resalta por el tono humorístico, como de juego, del resto de la obra?
Pero obvio, eso es una parte también de la obra. Nosotros hacemos espectáculos para público familiar pero es que en realidad son para todo espectador, eso quiere decir que puede ir un niño que un adolescente, un joven o que un adulto mayor; eso es nuestro público desde los adultos mayores hasta los niños y a veces no sólo van en familia, a veces tenemos sólo adultos mayores, a veces sólo tenemos adultos, a veces tenemos adolescentes, otras veces tenemos a la familia y eso es lo bonito un poco pero siempre hay algo que contar más allá.
En este caso era imposible para La Llave Maestra hablar de los animales, queríamos hacer una oda al mundo animal, y en esa oda al mundo animal no hablar de en qué momento estamos a nivel ecológico. ¿Cómo vamos a hablar de los animales y no hablar del desastre ecológico que tenemos? Estamos en un momento en el que podemos todavía hacer algo y dar en alguna manera o en algún porcentaje hacer una reversibilidad. Era muy importante para nosotros hablar del momento ecológico en el que estamos viviendo, que es muy fuerte y que no sabemos qué es lo que le vamos a dejar a las siguientes generaciones que vienen. La tierra no es nuestra, este planeta donde vivimos nosotros estamos de paso. La tierra se queda y nosotros vamos pasando no más, ni siquiera es prestada, nosotros somos los inquilinos en ella aunque creemos que es nuestra.
También era muy importante poder hablar del cambio climático y en esa escena ahí lo vimos muy claro, dijimos: “Aquí podemos hablar, tenemos que hablar”. Si hablamos de los animales, hacer una oda a este mundo animal y un llamado a que lo cuidemos y lo preservemos para las generaciones futuras. Era imposible no poder hablar de esto y siempre en La Llave Maestra está eso. En este momento pudimos hacerlo con el cambio climático, pero siempre hay mensajes. Nuestros mensajes intentan ser un poco esperanzadores, intentamos que el espectador o la espectadora se vaya esperanzado con ganas de pensar que es posible, que podemos hacer los humanos, que cuando nos lo proponemos y nos juntamos podemos hacer cosas maravillosas. Eso también es un mensaje que intentamos transmitir a lo largo de todas las obras, aparte de los otros muchos mensajes que nos gusta dar.
El juego para nosotros es importante. Es muy importante porque en sí ya es un mensaje, es una manera de vivir. Vivir a través del juego, aprender a través del juego, ver a través del juego la vida es un mensaje muy potente que deberíamos escuchar y practicar un poco más. Parece que el juego está relegado a la infancia y no es así; está hiper demostrado en miles de estudios científicos que el ser humano en realidad cuando aprendes a través del juego, no solo los niños, el adulto, adulto mayor. Me da igual la edad que tenga. Nosotros queremos rescatar el juego en la vida, reivindicarle un papel muy importante en nuestra vida, y en la manera de relacionarnos también. Por eso todas las obras de La Llave Maestra pasan por un viaje, pasas de la risa y terminas emocionado en otro momento y es así, como la vida.
¿Cómo manejan la “invisibilidad” del actor en la escena para que la magia funcione y se puedan sentir efectivamente como personajes distintos? Al final son las mismas personas manipulando los distintos objetos, haciendo las figuras, ¿cómo se hace eso?
Eso tiene que ver con la técnica de la manipulación y la relación del actor, actriz manipuladora con el objeto, porque es diferente. Una cosa puede ser la manipulación en la que evidentemente el actor o la actriz realmente desaparece totalmente a la vista del espectador y aparece sólo el muñeco, la materia. Luego está cuando el actor y la actriz están a la vista del público, pero no está en el primer plano, está en un segundo plano dejando al objeto o al muñeco todo el protagonismo, por así decirlo.
Nosotros trabajamos de las dos maneras. creando a veces con ilusionismo, desaparecemos los actores y las actrices y otras veces están ahí, aunque dejas de verlo. Están en escena pero dejas de verlo y el espectador sólo se concentra en el objeto, en el muñeco y luego hay un trabajo de interpretación obviamente. Hay muñecos que te los pones y como por ejemplo el muñeco de la osa polar, te la pones y la actriz desaparece dentro del muñeco por así decirlo, aunque si te fijas hay algunas partes que se ven porque está creado para eso también, para que se cree la imagen con el cuerpo de la actriz y con el objeto. Luego está otra pieza, que es la danza, que es este juego de muchas piezas que es como el tangram, que es una danza que gracias a la destreza de los actores, las actrices y su manipulación se va convirtiendo en muchos tipos de animales diferentes. Eso ya es un juego, es una coreografía e intervienen muchos tipos, muchas técnicas. No interviene cómo trabajamos nosotros, por eso es un trabajo multidisciplinario porque las disciplinas se cruzan realmente, no es ahora esto es danza, ahora esto es teatro físico, ahora esto es teatro de objetos, ahora es magia o ilusionismo, sino que en una misma pieza, en una misma escena, todo eso se entrelaza y está mezclado. Ahí está el virtuosismo del intérprete, de tener la capacidad de poder hacer, abarcar todas esas técnicas para crear esa magia en el espectador y llevarlo a viajar de alguna manera.
Al final de la obra mencionaron que se iban a ir de gira a Europa. Han notado diferencias en cómo reacciona el público chileno ante este lenguaje visual, ante las obras en sí, versus el público europeo en otros lugares, ¿es distinto?
Los públicos son muy diferentes porque las culturas son diferentes. Una cultura chilena no se expresa igual que una holandesa, que una nórdica o que una francesa, pero sorprendentemente reaccionan igual. Para nosotros es alucinante también, porque evidentemente el público chileno es un público latino que es muy cálido, reacciona, se ríe fuerte, reacciona a mitad de la obra. Ahora vamos a ir a Holanda y a México en febrero, pero ya estuvimos con El carnaval de los animales en noviembre y fue muy divertido, porque los programadores también en el teatro nos decían, “es que no reconocemos a nuestro público, porque están participando mucho, normalmente están más callados”. A nosotros no nos importa, nos encanta porque están metidos en la obra. No es que estén hablando otra cosa, están a caballo de la obra y como que no pueden contenerse y se expresan. Es muy bonito para nosotros escucharlos, porque a nosotros también nos genera una energía especial y eso fue muy bonito en la gira. Nos decían, es que estamos no reconociendo a nuestro público, porque están reaccionando mucho, ¿a ustedes les molesta? Les decíamos, “no, estamos acostumbrados a que reaccionen, así que tranquilos”.
La verdad es que con el resto de los países sí reaccionan igual. Por ejemplo en otras obras hemos estado ya en países, todavía hay culturas más alejadas de la nuestra, como las asiáticas, como Japón, Taiwán y nos sorprendimos que también pasa lo mismo. Yo creo que al final el lenguaje que tenemos en la compañía es un lenguaje universal; no está asociado a la palabra, logos y a una forma de pensamiento, sino que está más asociado a lo sensorial y a la emotividad, a la emoción. Las emociones en todos los países son iguales, todos nos reímos igual. Quizás celebramos el duelo de diferente manera, quizás tenemos diferentes maneras de vivir ciertos hitos o ciertas cosas más sociales de alguna manera, pero las emociones, todas las culturas las vivimos igual. El dolor nos duele a todos igual, la emoción nos emociona a todos y nos brotan las lágrimas a todos, la risa a todos nos llega igual. Entonces yo creo que es universal y que eso hemos aprendido a lo largo de estos años también a dar las gracias a nuestro trabajo que nos ha llevado por tantos lugares y que hemos podido llevar nuestro trabajo y que lo vean en diferentes lugares. Lugares que nunca pensábamos que quizás íbamos a estar y ver que nos podemos comunicar, que la gente se emocione igual y que llegamos a un nivel de comunicación muy profundo con el público, siendo culturas muy diversas y muy diferentes, con códigos sociales muy diferentes a los nuestros y la verdad que eso ha sido un regalazo. Eso ha sido todo un regalo para nosotros.
¿Qué proyectos se vienen a futuro?
Los proyectos a futuro siempre son super bienvenidos, vamos a estar este fin de semana en Curicó, vamos a hacer la última función de Chile antes y ya partimos ya enseguida en unos días después de Curicó hacia Holanda y Bélgica para estar un mes allá. Volveremos después de la primera semana de marzo y nos encerramos a ensayar, porque estamos en pleno proceso creativo con una coproducción con GAM sobre una obra sobre Gabriela Mistral, pero con nuestro lenguaje, que se estrenará en junio en el GAM. Entre medio tenemos un viaje a Costa Rica y después de estrenar ahí empiezan más funciones. Nos vamos al Teatro del Lago con Infinita, la nueva obra, luego nos vamos de gira a Brasil y más adelante nos esperan otras giras internacionales también más largas como por el segundo semestre.
Ficha Técnica
Título: El Carnaval de los Animales
Compañía: La Llave Maestra.
Música Original:
Carnaval de los Animales y Danza Macabra; Camille Saint Säenz
Claro de Luna; Claude Debussy
Dirección: Edurne Rankin y Álvaro Morales
Elenco: Edurne Rankin, Marcela Burgos, Magdalena Lecaros, Diego Acuña, Juan Pablo Neira.
Asesoría coreográfica: Esdras Hernández
Diseño integral: Edurne Rankin y Álvaro Morales
Realización escenográfica: Gabriela González, Antonia Arriaza, Andrés Moreno, La Llave Maestra.
Realización Máscaras: Gabriela González, Antonia Arriaza, Nicole Salgado.
Realización Vestuarios: Sergio Aravena.
Idea original diseño gráfico: Álvaro Morales
Diseño Gráfico: Liza Retamal.
Orquesta de Cámara de Valdivia
Dirección Musical: Alejandra Rivas
Pianistas: Danor Quinteros, Marco Antonio Cuevas.
Año: 2024
Coordenadas
Fecha: sábado 24 y domingo 25 de enero a las 18:00 horas
Fundación Corpartes
Rosario Norte 660, Nivel -2
Las Condes, Santiago
Metro estación Manquehue
