LIGHT SHOW
Cliff Lauson, curador Hayward Gallery, canadiense nos cuenta sobre la historia de “Light Show” y las obras de la exposición.
“Light show” empezó en Londres en Hayward Gallery el 2013 y luego de una exitosa gira internacional, que ha recorrido numerosos países, desde Nueva Zelandia, a Australia hasta los Emiratos Árabes, ahora llega a Chile donde termina la gira.
Hayward fue construida en 1968, y ésta exhibición ha sido la mas exitosa de la historia de la galería, ya que el arte que concierne a la luz tiene un tema experimental que va más allá de los idiomas y las nacionalidades.
El concepto es cómo nos afecta la luz, ya que algunos colores tienen diferentes emociones. En épocas con poca luz hay una sensación de mas tristeza, hay respuestas fisiológicas que se pueden experimentar a través de esta exposición.
Nos tomó alrededor de dos años en investigar para poder desarrollar esta exposición y unir el concepto donde la luz es una herramienta y el medio de esta muestra de arte.
La exposición es sobre la luz como medio escultórico, como herramienta para usar el medio en si, lo que es extraño porque el material es intangible, pero podemos pensar en esto en dos maneras; la luz como objeto escultórico, y la luz para ser usada para crear un ambiente.
La historia de la luz en el arte: Los trabajos más antiguos de esta exhibición son de los años 60, y los más modernos son de la actualidad. Hay muchos cambios radicales sucediendo en las artes, y en particular, hay algunos cambios en la manera de pensar, de los objetos, y como los objetos también pueden incluir la experiencia de visionado y también el espacio de la instalación en la galería.
En la historia del arte no existe un movimiento de la luz, como sucedió con el impresionismo o surrealismo, pero en vez de un movimiento, es una exhibición sobre el medio de la luz. Es acerca de cómo los artistas han usado la luz de diferentes maneras, primordialmente espacial, pero es un medio al que enfocarse con otras preocupaciones, como en el cine o la ciencia. En esta exposición hay sólo 17 obras de arte, desde obras de los años 60 al día de hoy. La razón de eso es porque queríamos tener las mejores instalaciones y algunas de ellas usan un espacio completo solo para una obra. También es porque las obras de arte usan la luz, por lo que necesitan espacio amplio para poder visualizarlas. En la exposición, quizás la mitad de las obras tienen su propio espacio, más oscuras, y la otra mitad están en un espacio más amplio, donde pueden convivir entre ellas.
Una de las cosas que voy a hacer es explicarles los temas relacionados con la luz que están en la exposición, partiendo por la luz en tiempo pasado. Por supuesto la mejor experiencia es en la galería, así que sólo les mostraré algunos ejemplos.
Uno de los trabajos más antiguos es de Dan Flavin, (1933-1996) artista americano. El es uno de los mejores artistas que pueden trabajar apegándose sólo al material, material básico que compraba en Nueva York en los años 60. Los materiales artísticos incluyen sólo tubos fluorescentes estándares, en los cuales en ese época sólo podía encontrar entre 10 y 12 colores con los que podía elegir. Utilizó estos materiales básicos pero generando una creación tan dinámica que logró crear una gran cantidad de mezclas de colores y distintas formas. El fue muy radical con su espacio, en vez de crear una composición que cuelga del muro, el movió su trabajo al suelo o a las esquinas de los espacios. Muy radical en cuanto a lograr que la obra sea parte de la arquitectura. Luego hizo una carrera de 50 años solo creando arte relacionado con la luz.
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| James Turrell |
El rol de la luz en la arquitectura: Tenemos un ejemplo significativo en esta exposición, es de James Turrell (1943), nortamericano, de Los Angeles. Trabajó con distintos materiales , especialmente el plástico, para ver como influía en los espacios. Hay una obra importante, llamada Wedgework, es de la primera serie donde usa luz para hacer este trabajo en el área de la arquitectura. Estás en una pieza oscura, tus ojos se ajustan a la oscuridad, y se desenvuelve espacios hechos con la luz. Se genera una sensación de que hubiera una tela en el espacio, pero el efecto visual es creado sólo a través de la luz.
El tercer tema que vamos a hablar es sobre el rol del color. Muchas de las obras usan color, con la muestra de Carlos Cruz Diez (1923) “Chromosaturation”. Este trabajo fue hecho por primera vez en 1965, pero se ha hecho 80 veces desde entonces, y cada vez se va adaptando al espacio de la instalación y donde se va a recrear. Es un principio simple con 3 espacios. El espacio rojo, el espacio verde y el espacio azul. Pero el fenómeno que sucede con la vista es bastante complejo. Si te paras en un espacio, por ejemplo, en el espacio rojo, tus ojos ven todo lo rojo, pero después el rojo se va desvaneciendo y se empieza a poner más rosado, o rosado claro, mientras tus ojos se van ajustando a él. Esto es porque la células en tus ojos se van sintonizando con los tonos rojos, verde y azul. Cuando uno sensibiliza, los otros dos se poner hipersensibles, entonces el rojo y el azul se convierten en colores muy intensos. Lo mismo para los otros colores, así que mientras te mueves de un espacio a otro, va cambiando la percepción de los colores, y se van intensificando.
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| Olafur Eliasson |
El cuarto tema es la Naturaleza y Ciencia. Tenemos una obra maestra del artista Danés Islandes Olafur Eliasson (1967) Esta obra está compuesta por 27 fuentes de agua, que están funcionando permanentemente. Está hecha con luces estroboscópicas, lo que produce el efecto del agua estuviera congelada. Cuando ves, da la sensación que estuviera inmovilizada, como si el agua estuviera congelada en el tiempo. Es un trabajo muy intenso.
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| Leo Villareal |
Luces digitales: Nuevas tecnologías. Luces de los celulares, luces que parpadean todo el rato. Obra de Leo Villareal (1967). Es con una forma de candelabro. Esta obra está hecha con alrededor de 20 mil luces LED. Son lámparas colgantes. Es muy especial, ya que él,además de ser artista, es programador computacional, por lo tanto también desarrolló el software que trabajó el funcionamiento de las luces LED. Esta es una interesante propuesta donde en una obra se mezcla la tecnología y el arte, lo que va cambiando constantemente.
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| Anthony McCall |
La luz fílmica: va cambiando con el tiempo, no es algo estático. Anthony Mc Call (1946) Artista inglés que vive en Nueva York, que combina su interés en cine, dibujo y la escultura. Si te imaginas en el cine, donde el proyector refleja por detrás la luz, eso es lo que trata de interpretar este artista con esta obra. Proyectando la luz por sobre la cabeza. El efecto que se genera es como un efecto de nube, de neblina, de la luz que se está proyectando. La luz se convierte en una escultura que se va expandiendo. Esta luz se convierte en una escultura, con el efecto de la neblina, uno tiene una interacción con este espacio. En los años 70 cuando McCall comenzó con esta obra de arte, era con humo de cigarro que hoy no se puede.
El ultimo punto tiene que ver con la luz con la parte del ser. Esta obra piensa el rol teatral de la luz. Esta obra genera una experiencia única sensorial.
“Light Show” es una exposición para todas las audiencias, de todas las edades. Tiene un efecto inmediato que la gente tiene con la estética de la obra, junto con el valor histórico de cada una de las obras.
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| Iván Navarro |
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| Iván Navarro |
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| Iván Navarro |
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| Iván Navarro |
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| AnnVeronica Janssens |
