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martes, octubre 4, 2022

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Maite Zabala: «Es una exploración sobre los límites y aberturas de la experiencia perceptual y sensorial».

Entrevista a Artista Visual 

Maite Zabala: «Es una exploración sobre los límites y aberturas de la experiencia perceptual y sensorial»


En el marco de la inauguración de la exposición «Rayo Verde» de Maite Zabala en Taller Bloc, entrevistamos a la artista chilena, para que nos contara de su obra y de la exposición.

¿Cuál es el concepto de esta exposición «Rayo Verde»?
La exposición es el resultado de una investigación que tiene relación con la manera en como aprehendemos el mundo a través de los fenómenos fisiológicos y psíquicos (sensaciones, memoria, imaginación, deseo, percepciones, etc.), donde surgen rupturas y fisuras que develan espacios indefinidos. Es una exploración sobre los límites y aberturas de la experiencia perceptual y sensorial. Los procesos de trabajo me llevaron a un imaginario de formas abstractas, que sin embargo, remiten a elementos y sistemas de configuración de la naturaleza. En las obras se articulan composiciones geométricas que insinúan el rastro de un origen o bien evocan alguna realidad especulativa, un movimiento reflectante de la realidad, un posible acierto de lo desconocido.
 
¿Cuál es la técnica que usas y como la trabajas?
La exposición reúne una serie de obras que han sido construidas a través de distintas técnicas de impresión (mecánicas y análogas). Por ejemplo, los fotogramas muestran una escala de valores de grises que se logra al ir exponiendo por secciones el papel fotográfico a la luz. Es un proceso manual, que traduce un tiempo de incidencia de luz sobre una superficie fotosensible. Por otro lado, en serigrafía hago uso de mezclas de color sustractivas (CMY), para construir imágenes compuestas de capas de color sucesivas, que de alguna manera develan el proceso de impresión, y a su vez, le otorgan profundidad y densidad visual a la imagen. Por último, utilizo el aerógrafo como una herramienta pictórica que me permite mezclar y fusionar el color.
Todas estás técnicas implican procesos sistemáticos y rigurosos que desean definir formas solidas dentro de un espacio de estructura orgánica y límites imprecisos.

 
¿Cuál es el significado de los marcos en tu obra? Parecieran tener un rol importante dentro de la propuesta por su tamaño y singularidad.
Los marcos son la expresión de un lugar y un tiempo distinto al de la imagen que contienen. Se pueden generar asociaciones y relaciones específicas a través de su materialidad y de su forma, que se encuentran en constante tensión con las imágenes que envuelven, y tal vez, en contradicción con ellas mismas. A su vez, actúan como una especie de primer plano o telón de fondo, que se suma a las múltiples capas de la obra y redefinen su significado. Señalan también el carácter autónomo de la obra, al establecer una separación mas rotunda del espacio de exhibición y crear un espacio de inmersión para el espectador.

 
¿Cómo describirías tu trabajo? 
Como narrativas visuales que se abren para dar espacio a expresiones del pensamiento que no se pueden nombrar, que tienen que ver con nuestras expectativas e incertidumbres. El trabajo quiere desafiar al espectador, evocar ciertas imágenes pero evadir referencias únicas, abriéndose así a múltiples significados para generar un espacio de subjetividad.
 
¿Cuáles son tus próximos proyectos?
El 2018 participaré en una muestra colectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, que reúne artistas chilenos y extranjeros de entre 30 y 40 años. Presentaré una instalación que será el resultado de un proceso colaborativo con una artista holandesa con quien trabajamos desde el 2015.
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