Por Pedro Pablo Velarde
Toda relectura es, en alguna medida, una conversación entre dos tiempos. No cambia el texto, cambiamos nosotros. Por eso volver a Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores en 2026 no supone únicamente reencontrarse con Federico García Lorca, sino preguntarse qué puede decirnos hoy una mujer que decide esperar durante décadas a un hombre que nunca regresa. ¿Es todavía posible esa espera? ¿Qué ocurre con la promesa cuando la distancia ya no existe? ¿Qué significa sostener una ilusión durante años en un mundo hiperconectado donde una mentira puede descubrirse en segundos y donde los vínculos parecen medirse en la inmediatez?
La propuesta dirigida por Francisco Albornoz se acerca a estas preguntas con sensibilidad y evidente respeto por el material original. La obra se presenta como una relectura contemporánea y, como tal, incorpora comentarios, notas y referencias que intentan abrir un diálogo entre la época de Lorca y nuestro presente. Sin embargo, allí aparece también su principal debilidad: plantea numerosas preguntas, pero rara vez se permite profundizar en ellas.
Doña Rosita hoy: ¿qué significa esperar en un mundo que ya no espera? La espera, el paso del tiempo, la construcción social de la soltería, el rol de la mujer, la fragilidad del patrimonio familiar frente a las decisiones masculinas, la relación con la memoria, los mecanismos de representación teatral e incluso el teatro hablando de sí mismo aparecen sucesivamente sobre escena. Son muchos temas y todos relevantes. Quizás demasiados. Uno sale de la sala con la sensación de que la obra roza asuntos muy interesantes sin terminar de habitarlos. Menos preguntas, abordadas con mayor profundidad, habrían permitido un resultado más contundente.
Resulta especialmente discutible la insistencia en hablar del teatro sobre el teatro. La reflexión acerca de cómo montar hoy un texto clásico podría haber surgido desde los propios recursos escénicos, desde las tensiones entre pasado y presente, desde las actuaciones o los símbolos visuales. En cambio, la obra opta por verbalizar constantemente ese procedimiento. Y cuando el teatro explica aquello que ya está mostrando, corre el riesgo de volverse redundante. ¿Era necesario hablar del actor para reflexionar sobre Rosita? ¿Aporta algo a la tragedia íntima de la protagonista saber que estamos viendo una representación? En esta adaptación, esa capa metateatral parece más un comentario añadido que una necesidad dramatúrgica.
La fragmentación del texto tampoco termina de encontrar una forma plenamente orgánica. Hay momentos donde la estructura genera hallazgos y nuevas asociaciones, pero también otros en que interrumpe el desarrollo emocional y dificulta que las ideas adquieran espesor. La sensación es la de una obra que desea dialogar simultáneamente con demasiados temas sin decidir cuál es realmente su centro.
Donde la propuesta sí encuentra una identidad propia es en sus recursos escénicos. La música contemporánea, interpretada con notable sensibilidad, aporta frescura al universo lorquiano sin traicionar su melancolía. El piano, presente durante gran parte del montaje, funciona como una suerte de conciencia emocional de la obra. Más que acompañar, sostiene. Más que ilustrar, evoca. Es probablemente uno de los elementos que mejor conecta el texto original con la sensibilidad de hoy.
También destacan las luces de neón, cuya presencia instala una tensión atractiva entre tradición y contemporaneidad. Lejos de competir con el texto, construyen una atmósfera que refuerza la sensación de tiempo suspendido que atraviesa a la protagonista.
La escenografía propone otro de los ejes más interesantes del montaje: la mudanza como metáfora del paso del tiempo. Las cajas aparecen como símbolo del cambio permanente, de la vida empaquetada, trasladada y transformada. La imagen es potente. Sin embargo, su desarrollo visual parece quedar a medio camino. Todas las cajas son iguales, anónimas, carentes de historia. Parecen objetos colocados sobre el escenario más que fragmentos de una vida acumulada durante décadas. ¿Qué distingue una caja de otra? ¿Qué contienen? ¿Son únicamente envases o guardan memoria? En una obra obsesionada con el tiempo, la ausencia de huellas concretas termina debilitando una metáfora que podría haber sido extraordinaria. Algo similar sucede con las flores. En Lorca constituyen uno de los símbolos fundamentales de la obra: la juventud que se marchita, la belleza efímera, el desgaste de la espera. Aquí aparecen flores artificiales, una decisión interesante porque introduce una lectura contemporánea donde lo auténtico ha sido reemplazado por su simulacro. Flores que no mueren porque nunca estuvieron vivas. Flores que conservan una apariencia eterna precisamente porque han perdido toda posibilidad de transformación. La idea es sugerente y abre interrogantes muy actuales. En un mundo de identidades cuidadosamente construidas, de imágenes filtradas y emociones editadas, ¿qué lugar ocupa la autenticidad? ¿Estamos rodeados de flores o de imitaciones de flores? Lamentablemente, la puesta apenas insinúa estas preguntas sin explorarlas en profundidad.
En cuanto a las actuaciones, el trabajo es sólido y comprometido. Solange Lackington logra construir una Rosita conmovedora, suspendida en un tiempo que parece no avanzar para ella mientras el mundo sigue girando a su alrededor. La actriz encuentra una delicada melancolía que evita el dramatismo excesivo y permite percibir el lento desgaste emocional del personaje. Su presencia dialoga eficazmente con los personajes jóvenes, generando un interesante contraste entre la espera y la inmediatez.
Sin embargo, el lenguaje elegido para la adaptación pierde parte de la potencia poética que caracteriza al universo lorquiano. La incorporación de registros cotidianos busca acercar la obra al presente, pero en ocasiones sacrifica la dimensión metafórica del texto original. Y justamente en una obra donde el tiempo, las flores y la espera funcionan como símbolos permanentes, la poesía no parece un lujo sino una necesidad. No se trata de reproducir literalmente a Lorca, sino de encontrar equivalentes contemporáneos capaces de conservar esa capacidad de sugerencia.
Quizás ahí reside la principal paradoja del montaje. Quiere interrogar el presente desde un clásico, pero a menudo prefiere explicar antes que evocar, comentar antes que profundizar, nombrar antes que simbolizar. Y Lorca, precisamente, construyó gran parte de su obra sobre aquello que no podía decirse directamente.
Al final, lo más interesante de esta Doña Rosita no son las respuestas que entrega, sino las preguntas que deja abiertas. ¿Qué significa esperar hoy? ¿Qué hacemos con nuestros vínculos cuando el tiempo ya no parece tener el mismo peso? ¿Cómo convivimos con un pasado que se niega a desaparecer? ¿Hasta qué punto seguimos viviendo rodeados de promesas que alguna vez creímos eternas?
La obra se aproxima a estas cuestiones con sensibilidad y honestidad, aunque sin la profundidad necesaria para convertirlas en su verdadero centro. Tal vez habría sido más potente elegir menos caminos y recorrerlos hasta el final. Porque, como la propia Rosita, este montaje parece quedarse esperando algo que nunca termina de llegar.
Ficha técnica
Título: Doña Rosita [anotada]
Dirección y adaptación: Francisco Albornoz
Asistencia de dirección y producción: Francisca Suárez Vidal
Dramaturgia: Pablo Remón, a partir de la obra de Federico García Lorca
Elenco: Solange Lackington, Benjamín Salinas, Konstanza Villalobos y Colomba Chamorro
Diseño integral: Catalina Devia y Sebastián Barbe
Asesor musical: Xabier Usabiaga
Producción ejecutiva: Francisco Albornoz
Coordenadas
30 Oct al 15 Nov 2026
Ju a Sá— 20 h
Do— 19 h
Sala N1 (Edificio B, piso 2)
Centro GAM
